Фотографија: љубазношћу Натурхисторисцхес Мусеум

Ваша скулптура историје уметности, ова сићушна фигурица висине нешто више од четири инча, откривена је у Аустрији 1908. Нико не зна којој је функцији служила, али нагађања су се кретала од богиње плодности до помоћи при мастурбацији. Неки научници сугеришу да је то можда био аутопортрет који је направила жена. То је најпознатији од многих таквих објеката који датирају из старијег каменог доба.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Вики Медиа/Пхилип Пикарт

Овај портрет је симбол женске лепоте откако је први пут откривен 1912. у рушевинама Амарне, главног града који је изградио најконтроверзнији фараон у историји старог Египта: Ехнатон. Живот његове краљице, Нефертити, је нешто мистериозно: сматра се да је владала као фараон неко време након Ехнатонове смрти — или што је вероватније, као су-регент дечака краља Тутанкамона. Неки египтолози верују да је она заправо Тутова мајка. Сматра се да је ова кречњачка биста обложена штукатуром дело Тутмозиса, Ехнатоновог дворског вајара.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Викимедиа Цоммонс/Марос М раз

Откривена 1974. године, Војска од теракоте је огромна складиште глинених статуа закопаних у три масивне јаме у близини гробнице Ши Хуанга, првог цара Кине, који је умро 210. године пре нове ере. Замишљена да га заштити у загробном животу, верује се да војска, према неким проценама, броји више од 8.000 војника заједно са 670 коња и 130 кочија. Сваки је у природној величини, иако стварна висина варира у зависности од војног чина.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Вики Медиа/ЛивиоАндроницо

Можда најпознатија скулптура римске антике,Лаокоон и његови синовије првобитно ископан у Риму 1506. године и пресељен у Ватикан, где се налази и данас. Заснован је на миту о тројанском свештенику који су заједно са његовим синовима убиле морске змије које је послао бог мора Посејдон као одмазду за Лаокоонов покушај да разоткрије лукавство Тројанског коња. Првобитно постављена у палати цара Тита, ова фигуративна група у природној величини, приписана трију грчких вајара са острва Родос, без премца је као студија о људској патњи.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Викимедиа/Ливиоандроницо2013

Једно од најзначајнијих дела у целој историји уметности, Микеланђелов Давид, настао је у већем пројекту украшавања подупирача велике фирентинске катедрале, Дуомо, са групом фигура преузетих из Старог завета. ТхеДавидебио је један, а заправо га је 1464. започео Агостино ди Дучио. Током наредне две године, Агостино је успео да изграбчи део огромног блока мермера исклесаног из чувеног каменолома у Карари пре него што се зауставио 1466. (Нико не зна зашто.) Други уметник је повукао лабавост, али и он је само кратко радио на томе. Мермер је остао нетакнут наредних 25 година, све док Микеланђело није наставио да га резбари 1501. Он је тада имао 26 година. Када је завршен, Давид је тежио шест тона, што значи да није могао да се подигне на кров катедрале. Уместо тога, био је изложен испред улаза у Палацо Веццхио, градску већницу у Фиренци. Ова фигура, једна од најчистијих дестилација стила високе ренесансе, одмах је прихваћена од стране фирентинске јавности као симбол отпора самог града-државе против сила које су против ње. Године 1873Давидеје премештена у галерију Аццадемиа, а реплика је постављена на првобитној локацији.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Вики Медиа/Алвесгаспар

Признат као зачетник стила високог римског барока, Ђан Лоренцо Бернини је створио ово ремек-дело за капелу у цркви Санта Мариа делла Витториа. Барок је био нераскидиво везан за контрареформацију кроз коју је Католичка црква покушала да заустави плиму протестантизма који се ширио широм Европе у 17. веку. Уметничка дела попут Бернинијевог била су део програма реафирмације папске догме, коју је овде добро послужио Бернинијев геније за прожимање религиозних сцена драматичним наративима.Екстазије пример: његова тема — Света Тереза ​​од Авиле, шпанска монахиња кармелићанка и мистичарка која је писала о свом сусрету са анђелом — приказана је баш у тренутку када анђео спрема да забије стрелу у њено срце.ЕкстазиЊени еротски призвуци су непогрешиви, најочигледнији у оргазмичном изразу монахиње и увијаној тканини која обавија обе фигуре. Архитекта као уметник, Бернини је такође дизајнирао поставку капеле од мермера, штукатуре и боја.

Фотографија: љубазношћу Метрополитен музеја уметности/Флечеров фонд

Италијански уметник Антонио Цанова (1757–1822) сматра се највећим вајаром 18. века. Његово дело је оличење неокласичног стила, као што можете видети у његовом извођењу у мермеру грчког митског хероја Персеја. Цанова је заправо направио две верзије дела: једна се налази у Ватикану у Риму, док друга стоји у Европском суду за скулптуре Метрополитен музеја.

Фотографија: Метрополитен музеј уметности

Иако је мајстор импресиониста Едгар Дегас најпознатији као сликар, он је такође радио у скулптури, стварајући оно што је вероватно био најрадикалнији напор његовог опуса. Дегас је направиоМала четрнаестогодишња плесачицаод воска (од којег су касније изливене бронзане копије након његове смрти 1917. године), али чињеница да је Дега обукао свог истоименог субјекта у прави балетни костим (у комплету са стезником, туту и ​​папучама) и периком од праве косе изазвала је сензацију када јеДанцердебитовао на Шестој изложби импресиониста у Паризу 1881. Дегас је одлучио да већину својих украса покрије воском како би одговарао осталим цртама девојака, али је задржао туту, као и траку која јој је везивала косу, као што су били, што је фигуру учинило једним од првих примера пронађеног предмета арт.Данцербила је једина скулптура коју је Дега изложио за живота; након његове смрти, пронађено је још око 156 примерака који чаме у његовом студију.

Фотографија: љубазношћу Филаделфијског музеја уметности

Док већина људи повезује великог француског вајара Огиста Родена саТхе Тхинкер, овај ансамбл који обележава инцидент током Стогодишњег рата (1337–1453) између Британије и Француске важнији је за историју скулптуре. Наручен за парк у граду Калеу (где је укинута једногодишња опсада Енглеза 1346. године када се шест градских старешина понудило на погубљење у замену за поштеду становништва),Тхе Бургхерсизбегавао је формат типичан за споменике у то време: уместо фигура изолованих или нагомиланих у пирамиду на врху високог постоља, Родин је своје субјекте у природној величини састављао директно на земљу, у равни са посматрачем. Овај радикални помак ка реализму прекинуо је херојски третман који се обично даје таквим радовима на отвореном. ВитхТхе Бургхерс, Родин је направио један од првих корака ка модерној скулптури.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Валли Гобетз

Године 1912. Пикасо је створио картонски макет дела који ће имати огроман утицај на уметност 20. века. Такође у колекцији МоМА-е, приказује гитару, тему коју Пикасо често истражује у сликама и колажу, иу многим аспектима,гитарапренео је технику колажа исецања и лепљења из две димензије у три. Исто је учинио и за кубизам, тако што је састављао равне облике да би створио вишеслојни облик са дубином и запремином. Пикасова иновација је била да избегне конвенционално резбарење и моделовање скулптуре из чврсте масе. уместо тога,гитарабио спојен заједно као структура. Ова идеја би одјекнула од руског конструктивизма до минимализма и даље. Две године након израдегитарау картону, Пикасо је креирао ову верзију у исеченом плеху

Фотографија: Метрополитен музеј уметности

Од својих радикалних почетака до последње фашистичке инкарнације, италијански футуризам је шокирао свет, али ниједно дело није илустровало чисти делиријум покрета као ова скулптура једног од њених водећих светила: Умберта Бочонија. Почевши као сликар, Бочони се окренуо раду у три димензије након путовања у Париз 1913. године у којем је обишао атељее неколико авангардних вајара тог периода, као што су Константин Бранкузи, Рејмон Дишан Вијон и Александар Архипенко. Бочони је синтетизовао своје идеје у ово динамично ремек-дело, које приказује фигуру која се креће у „синтетичком континуитету“ кретања како га је Бочони описао. Комад је првобитно настао у гипсу и није изливен у својој познатој бронзаној верзији све до 1931. године, много након уметникове смрти 1916. као припадник италијанског артиљеријског пука током Првог светског рата.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Стеве Гуттман НИЦ

Рођен у Румунији, Бранкуси је био један од најважнијих вајара модернизма раног 20. века — и заиста, једна од најважнијих личности у читавој историји скулптуре. Нека врста прото-минималисте, Бранцуси је преузео форме из природе и претворио их у апстрактне представе. На његов стил утицала је народна уметност његовог завичаја, која је често имала живописне геометријске шаре и стилизоване мотиве. Такође није правио разлику између објекта и базе, третирајући их, у одређеним случајевима, као заменљиве компоненте - приступ који је представљао кључни раскид са скулптуралним традицијама. Овај култни комад је портрет његове манекенке и љубавнице, Маргит Погани, мађарске студенткиње уметности коју је упознао у Паризу 1910. Прва итерација је уклесана у мермеру, а затим је уследила копија од гипса од које је направљена ова бронза. Сам гипс је био изложен у Њујорку на легендарном сајму оружја из 1913. године, где су га критичари исмевали и бацали на стуб. Али то је био и најрепродукованији комад у емисији. Бранцуси је радио на разним верзијамаМлле Поганиза неких 20 година.

Фотографија: љубазношћу Музеја модерне уметности

Бицицле Вхеелсматра се првим Дишановим револуционарним редимејдом. Међутим, када је завршио комад у свом париском студију, заиста није имао појма како да га назове. „Имао сам срећну идеју да причврстим точак бицикла на кухињску столицу и гледам како се окреће“, рекао је касније Душан. Било је потребно путовање у Њујорк 1915. године и излагање огромној градској производњи фабричке робе, да би Дишан смислио готов термин. Што је још важније, почео је да увиђа да је прављење уметности на традиционалан, ручно израђен начин изгледало бесмислено у индустријском добу. Зашто се мучити, рекао је, када би широко доступни производи могли да ураде посао. За Дуцхампа је идеја која стоји иза уметничког дела била важнија од начина на који је направљен. Ова идеја — можда први прави пример концептуалне уметности — би у потпуности трансформисала историју уметности у будућности. Слично као обичан кућни предмет, међутим, оригиналБицицле Вхеелније преживео: ова верзија је заправо реплика из 1951.

Фотографија: Вхитнеи Мусеум оф Америцан Арт, © 2019 Цалдер Фоундатион, Њујорк/Друштво за права уметника (АРС), Њујорк

Омиљени предмет сталне колекције Музеја Витни,Цалдер'с Цирцусдестилује разиграну суштину коју је Александар Калдер (1898–1976) донео као уметник који је помогао у обликовању скулптуре 20.Циркус, који је настао у време уметника у Паризу, био је мање апстрактан од његових висећих „мобила“, али је на свој начин био једнако кинетичан: направљен првенствено од жице и дрвета,Циркусслужио је као средишњи део импровизационих перформанса, у којима се Колдер кретао око разних фигура које су приказивале конторционисте, гутаче мачева, кротитеље лавова, итд., попут боголиког мајстора прстена.

Фотографија: љубазношћу Музеја Ј. Паул Геттија

Као сликар и дизајнер таписерије, као и вајар, француски уметник Аристид Мејол (1861–1944) би се најбоље могао описати као модерни неокласичар који је модернизовао 20. век на традиционалним грчко-римским статуама. Такође би се могао описати као радикални конзервативац, мада треба имати на уму да су чак и авангардни савременици попут Пикаса стварали дела у адаптацији неокласичног стила после Првог светског рата. Мајлолова тема је био женски акт, а уЛ'Аир, он је створио контраст између материјалне масе свог субјекта и начина на који она изгледа као да лебди у простору - балансирајући, такорећи, тврдоглаву физичност са пролазним присуством.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Ц-Монстер

Јапанска уметница која ради у више медија, Кусама је дошла у Њујорк 1957. године, а вратила се у Јапан 1972. У међувремену се етаблирала као главна фигура сцене у центру града, чија је уметност додирнула многе основе, укључујући поп арт, минимализам и Перформанце Арт. Као уметница која се често позивала на женску сексуалност, била је и претеча феминистичке уметности. Кусамин рад често карактеришу халуциногени обрасци и понављања облика, склоност укорењена у одређеним психолошким стањима – халуцинацијама, ОКП – од којих пати од детињства. Сви ови аспекти Кусумине уметности и живота огледају се у овом делу, у којем је обична, тапацирана фотеља узнемирујуће обухвачена кугом фаличких избочина од шивене плишане тканине.

Фотографија: Вхитнеи Мусеум оф Америцан Арт, Њујорк, © 2019 Естате оф Марисол/Албригхт-Кнок Арт Галлери/Артистс Ригхтс Социети (АРС), Њујорк

Позната само по имену, Марисол Ескобар (1930–2016) рођена је у Паризу од родитеља Венецуеле. Као уметница, повезивала се са поп артом, а касније и оп артом, иако стилски није припадала ниједној групи. Уместо тога, креирала је фигуративне слике које су биле замишљене као феминистичке сатире родних улога, славних и богатства. ИнЖене и пасона преузима објективизацију жена и начин на који се стандарди женствености које су наметнули мушкарци користе да их приморају да се прилагоде.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Роцор

Кутија Брилло је можда најпознатија у низу вајарских радова које је Ворхол створио средином 60-их, који су ефективно одвели његово истраживање поп културе у три димензије. Веран имену које је Ворхол дао свом студију — Фабрика — уметник је ангажовао столаре да раде неку врсту монтажне траке, закуцавајући дрвене кутије у облику картона за различите производе, укључујући Хеинз Кетцхуп, Келлогг'с Цорн Флакес и Цампбелл'с Супу, као добро Брилло јастучићи за сапун. Затим је сваку кутију офарбао у боју која одговара оригиналу (белу у случају Брилло-а) пре него што је додао назив производа и лого на ситотиски. Створене у више комада, кутије су често биле приказане у великим наслагама, ефективно претварајући било коју галерију у којој су се налазиле у висококултурни факсимил складишта. Њихов облик и серијска производња су можда били потврда - или пародија - минималистичком стилу који је тада био у настајању. Али права поентаБрилло Бокје како његова блиска апроксимација стварној ствари подрива уметничке конвенције, имплицирајући да не постоји стварна разлика између произведене робе и дела из уметничког студија.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Естер Вестервелд

Име Доналда Џада је синоним за минималистичку уметност, покрет из средине 60-их који је дестилирао рационалистички сој модернизма на најосновније. За Џада, скулптура је значила артикулисање конкретног присуства дела у простору. Ова идеја је описана термином „специфичан објекат“, и док су је други минималисти прихватили, Џад је вероватно дао идеји њен најчистији израз усвајајући кутију као свој потписни облик. Као и Ворхол, произвео их је као јединице које се понављају, користећи материјале и методе позајмљене из индустријске производње. За разлику од Ворхолових конзерви за супу и Мерилин, Џадова уметност се није односила ни на шта изван себе. Његови "складови" су међу његовим најпознатијим комадима. Свака се састоји од групе идентично плитких кутија направљених од поцинкованог лима, које вире из зида и стварају колону равномерно распоређених елемената. Али Џад, који је почео као сликар, био је подједнако заинтересован за боју и текстуру као и за форму, што се овде види по зеленом нијансираном лаком за тело нанесен на предњу страну сваке кутије. Џадова међуигра боје и материјала дајеБез наслова (склад)избирљива елеганција која ублажава њен апстрактни апсолутизам.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Роцор

Као и Бенглис, Хесе је била уметница која је филтрирала постминимализам кроз несумњиво феминистичку призму. Јеврејка која је као дете побегла из нацистичке Немачке, истраживала је органске форме, стварајући комаде од индустријског фибергласа, латекса и ужета који су изазивали кожу или месо, гениталије и друге делове тела. С обзиром на њено порекло, примамљиво је пронаћи скривену струју трауме или анксиозности у делима попут овог.

Фотографија: љубазношћу Музеја модерне уметности

Након Џада и Флавина, група уметника је одступила од минималистичке естетике чистих линија. Као део ове постминималистичке генерације, Ричард Сера је концепт специфичног објекта ставио на стероиде, знатно увећавајући његову скалу и тежину, и чинећи законе гравитације интегралним за идеју. Створио је несигурне балансирање челичних или оловних плоча и цеви тешких у тонама, што је утицало на преношење осећаја опасности у дело. (У два наврата, ригери који су постављали Серра делове били су убијени или осакаћени када се дело случајно срушило.) Последњих деценија, Серин рад је усвојио криволинијско префињеност која га је учинила изузетно популарним, али у раној фази, ради као Оне Тон Проп (Хоусе оф Цардс), на којем се налазе четири оловне плоче наслоњене једна уз другу, са бруталном директношћу је пренео своју забринутост.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Викимедиа Цоммонс/Сорен.харвард/Роберт Смитхсон

Пратећи општи контракултурни тренд током 1960-их и 1970-их, уметници су почели да се буне против комерцијализма галеријског света, развијајући радикално нове уметничке форме попут земљаних радова. Позната и као ланд арт, водећа фигура овог жанра био је Роберт Смитсон (1938–1973), који је, заједно са уметницима као што су Мајкл Хајзер, Волтер Де Марија и Џејмс Турел, кренуо у пустиње западних Сједињених Држава да би створио монументална дела која деловали у договору са својом околином. Овај приступ специфичан за локацију, како је почео да се назива, често је користио материјале преузете директно из пејзажа. Такав је случај са СмитсоновимСпирал Јетти, које стрши у Велико слано језеро Јуте од Розел Поинта на североисточној обали језера. Направљен од блата, кристала соли и базалта који се екстрахује на лицу места,Спирал Јетти мере1500 са 15 стопа. Био је потопљен под језером деценијама све док га суша почетком 2000-их није поново извукла на површину. 2017.Спирал Јеттипроглашен је за званично уметничко дело Јуте.

Фотографија: љубазношћу ЦЦ/Викимедиа Цоммонс/ФЛИЦКР/Пиерре Метивиер

Ауторски рад уметника рођеног у Француској,Паукнастала је средином 1990-их када је Буржоа (1911-2010) већ била у осамдесетим. Постоји у бројним верзијама различитих размера, укључујући и оне које су монументалне.Паукје замишљен као омаж уметниковој мајци, рестаураторки таписерије (отуда алузија на склоност паука да преде мреже).

Схуттерстоцк

Добитник престижне Тарнерове награде 1994. године, Антони Гормлеи је један од најславнијих савремених вајара у Великој Британији, али је такође познат широм света по свом јединственом приступу фигуративној уметности, на којој се заснивају широке варијације у размерама и стилу, највећим делом на истом шаблону: Одлитак уметниковог сопственог тела. То је тачно за овај огроман споменик са крилима који се налази у близини града Гејтсхеда у североисточној Енглеској. Смештен уз главни аутопут,Ангелрасте до 66 стопа у висину и обухвата 177 стопа у ширину од врха до врха крила. Према Гормлију, дело је замишљено као нека врста симболичког маркера између британске индустријске прошлости (скулптура се налази у енглеској земљи угља, срцу индустријске револуције) и њене постиндустријске будућности.

Љубазношћу ЦЦ/Флицкр/Рицхард Хове

Чикагоци су га од миља звали „Пасуљ“ због свог савијеног елипсоидног облика,Цлоуд Гате, центар јавне уметности Аниша Капура за Миленијумски парк Другог града, представља и уметничко дело и архитектуру, пружајући лук који је спреман за Инстаграм за недељна шеталишта и друге посетиоце парка. Израђен од челика са огледалом,Цлоуд ГатеРефлективност и велика забавна кућа чини га Капооровим најпознатијим делом.

Љубазношћу уметника и Греене Нафтали, Њујорк

Рад Рејчел Харисон комбинује савршени формализам са вештином за прожимање наизглед апстрактних елемената вишеструким значењима, укључујући и политичка. Она жестоко преиспитује монументалност и мушки прерогатив који иде уз то. Харисон ствара највећи део својих скулптура слагањем и слагањем блокова или плоча од стиропора, пре него што их покрије комбинацијом цемента и сликарских расцвета. Трешња на врху је нека врста пронађеног предмета, самостално или у комбинацији са другим. Одличан пример је овај манекен на врху издуженог облика попрсканог бојом. Носећи огртач и маску Абрахама Линколна окренуту уназад, дело представља теорију историје великог човека са евокацијом освајача Древног света који стоји високо на стени боје кловна.